Ursprünglich 1994 über Mausoleum Records veröffentlicht, mittlerweile verschollen, hat das Label Pride & Joy Music im Rahmen der Classix Serie das begehrte begehrte Melodic-Hard-Rock-Klassiker-Album der deutschen Hard-Rock-Gruppe Backbone Slide wiederaufgelegt.
Tracklist:
01 - House Of Thunder
02 - Rosi Lust
03 - Cold Hearted
04 - Come Home
05 - Shout It Out
06 - The Only One
07 - Live Love Rock
08 - That's What Dreams Are For
09 - Ya Do Ya
10 - No Matter The Faith
11 - Colors Bleed
12 - You'n I
Bonus:
13 - What Happened To My $
14 - Shout It Out - Live Version
Veröffentlichungsdatum: 12. Juli 2024
aus der Pride & Joy Music Classixx Serie
Album No. 011
Streng limitiert nur auf 500 Stück
Exklusiv nur hier: Pride & Joy Shop
und bei den kommenden Live-Shows von Czakan ;-)
Bisschen Geschichte:
Die deutsche Rockband wurde von den kraftvollen Vocals des amerikanischen Expatriaten Shaun Williamson (geboren in Atlanta, Georgia, USA) angetrieben. Die Besetzung setzte sich zusammen aus Oliver Güttinger (Gitarre), Kai Portolano (Gitarre), Achim Gschwend (Schlagzeug) und Frank Schrafft (Bass). Diese Formation wurde maßgeblich durch den ehemaligen Manager und Produzenten der Rolling Stones, Andrew Loog Oldham, geprägt, was ihnen von Anfang an beachtliches Presseecho einbrachte.
Ihre Musik, eine ernsthafte Nachbildung des rockigen Sounds von Bands wie Small Faces und Led Zeppelin, fand auch bei den Kritikern großen Anklang. Ihre Karriere begann mit der Veröffentlichung ihres selbstbetitelten Debütalbums im Jahr 1995 beim europäischen Label Mausoleum Records. Produziert und abgemischt wurde das Album von Ed Miller, einem erfahrenen Produzenten, der bereits mit namhaften Bands wie den Black Crowes, 38 Special und Georgia Satellites gearbeitet hatte.
Das Album hatte großes Potenzial auf den internationalen Märkten, nicht zuletzt dank der englischen Texte von Williamson, die sprachliche Barrieren überwanden und eine breite Hörerschaft ansprachen. Die rockigen, traditionellen Texte und der kraftvolle Gesang sorgten dafür, dass die Musik der Band sowohl bei Rock-Puristen als auch bei neuen Fans gut ankam.
Später erweiterte Shaun Williamson sein musikalisches Repertoire und arbeitete mit der Sunnyland Blues Band und King Karma zusammen. Diese Kollaborationen unterstrichen seine musikalische Vielseitigkeit und sein tiefes Engagement für die Rockmusik, was seinen Einfluss und seine Reputation in der Musikszene weiter festigte.
Was bekommt man auf die Ohren?
Typischen, schmutzigen US-Melodic Hard Rock, gelegentlich gewürzt mit kräftigen Bluesnoten, die zur Extraklasse gehören. Die Band schaffte es mühelos, ein Kracher-Album zu produzieren und mit ihrem US-Rock ein fettes Ausrufezeichen zu setzen. Mit ihrer Musik lieferten die Jungs ein nahezu perfektes 80er-Jahre-Party-Album ab. Leider geriet dieses Mitte der 90er Jahre vollkommen in Vergessenheit. Sie vereinten die Eingängigkeit von BON JOVI mit dem rauen Charme von Guns N' Roses, AC/DC, RHINO BUCKET und Co. Der Sound wird durch die raue Stimme von Shaun gekrönt. Es klingt weder altmodisch noch typisch deutsch, sondern voll, erwachsen und direkt auf die Zwölf – US-Rock pur und der perfekte Soundtrack für eine unvergessliche Party.
Es ist purer US-Rock, der perfekt als Soundtrack für eine unvergessliche Party dient. Die kraftvolle Kombination aus eingängigen Melodien und rohem Rock macht das Album zu einem unverzichtbaren Begleiter für alle, die den Geist des echten Rock’n’Rolls spüren und genießen wollen.
Der Opener „House Of Thunder“ überrascht mit orientalischen Klängen, die einen faszinierenden Kontrast zu den erwarteten Rocktönen darstellen. Diese ungewöhnlichen Klänge sorgen für echte „Aber Hallo“-Momente sowie „Oha“-Effekte, die das Publikum sofort fesseln und neugierig auf den weiteren Verlauf des Albums machen. Die Mischung aus rockigen Riffs und exotischen Melodien schafft eine einzigartige Atmosphäre, die den Song zu einem unvergesslichen Einstieg in das Album macht.
Mit „House Of Thunder“ hat BACKBONE SLIDE einen Opener geschaffen, der den Hörer von der ersten Sekunde an fesselt und nicht mehr loslässt. Der kraftvolle Gitarrensound, der treibende Rhythmus, die eingängige Melodie und die markante Stimme von Shaun Williamson machen diesen Song zu einem unvergesslichen Erlebnis und einem perfekten Start für ein herausragendes Rockalbum.
Direkt im Anschluss zeigt „Rosi Lust“, was die Band draufhat. Der Song rockt und rollt mit einer solchen Intensität, dass die bluesigen Elemente förmlich zum Leben erwachen. Die kraftvollen Gitarrenriffs und das mitreißende Schlagzeugspiel werden durch die raue, leidenschaftliche Stimme von Shaun perfekt ergänzt. Der Song bringt eine rohe Energie und Dynamik mit sich, die dafür sorgt, dass die Hörer keine Sekunde stillsitzen können.
„Rosi Lust“ baut auf einem soliden Fundament aus klassischem Rock und Blues auf, wobei die Band ihre Fähigkeit unter Beweis stellt, diese Stile nahtlos zu kombinieren und dabei etwas Frisches und Mitreißendes zu schaffen. Die bluesigen Elemente verleihen dem Song eine tiefe, emotionale Note, während die rockigen Riffs und das schnelle Tempo die Zuhörer in ihren Bann ziehen und nicht mehr loslassen.
Der Song „Cold Hearted“ ist ein grooviger Stampfer, der mit seiner kraftvollen Rhythmik und den tiefen, treibenden Bässen sofort ins Blut geht. Die markanten Gitarrenriffs und der pulsierende Beat laden zum Mitwippen ein und verleihen dem Song eine unwiderstehliche Dynamik. Die kraftvolle Stimme von Shaun Williamson trägt dazu bei, dass der Song eine raue und energiegeladene Atmosphäre entfaltet.
„Cold Hearted“ ist nicht nur ein musikalisches Highlight, sondern auch ein Song, der Emotionen weckt und die Zuhörer in seinen Bann zieht. Die groovigen Elemente und die kraftvolle Darbietung machen diesen Song zu einem perfekten Beispiel für den charakteristischen Sound der Band, der sowohl Rockfans als auch neue Zuhörer begeistert.
„Come Home“ hingegen ist eine tonnenschwere Ballade, die mit ihrer emotionalen Tiefe und melancholischen Melodie das Herz berührt. Der Song beginnt mit langsamen, kraftvollen Akkorden, die eine Atmosphäre von Nachdenklichkeit und Sehnsucht schaffen. Diese einleitenden Töne setzen den emotionalen Ton des gesamten Stücks und ziehen den Hörer sofort in eine Welt voller Gefühl und Intensität.
Shaun Williamsons sehnsuchtsvolle Stimme verstärkt diese Wirkung noch weiter. Mit jeder gesungenen Zeile transportiert er eine eindringliche Intensität, die tief unter die Haut geht. Seine Stimme ist sowohl stark als auch verletzlich und vermittelt eine breite Palette an Emotionen, von Schmerz und Verlust bis hin zu Hoffnung und Verlangen.
„Come Home“ ist mehr als nur eine Ballade; es ist eine emotionale Reise, die die Zuhörer tief in die Gefühlswelt des Sängers eintauchen lässt. Die Kombination aus melancholischer Melodie, kraftvollen Akkorden und Shauns eindringlicher Stimme macht diesen Song zu einem unvergesslichen Erlebnis. Die Ballade berührt das Herz und hinterlässt einen bleibenden Eindruck, der lange nach dem letzten Ton nachhallt.
Mit „Shout It Out“ präsentieren die Musiker einen echten Rotzrocker, der vor Energie und rebellischem Geist nur so strotzt. Der Song beginnt mit einem kraftvollen Gitarrenriff, das sofort die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf sich zieht. Die rauen Gitarrenklänge setzen den Ton für das gesamte Stück und verleihen ihm eine rohe, ungeschliffene Intensität.
Begleitet wird die treibende Gitarrenarbeit von druckvollen Drums, die einen soliden und energischen Rhythmus vorgeben. Die Schlagzeugbeats sind kraftvoll und präzise, treiben den Song voran und verleihen ihm eine dynamische Struktur. Jeder Schlag verstärkt das Gefühl von Rebellion und ungezügelter Energie, das „Shout It Out“ so besonders macht.
Der raue Gesang von Shaun Williamson fügt dem Song eine zusätzliche Ebene der Intensität hinzu. Seine Stimme ist voller Kraft und Leidenschaft, und er singt die Texte mit einer Überzeugung, die den rebellischen Geist des Stücks perfekt einfängt. Die rauen, kraftvollen Vocals harmonieren ideal mit den aggressiven Gitarrenriffs und den energischen Drums.
Die Melodie von „Shout It Out“ ist mitreißend und eingängig, was den Song zu einem perfekten Stück zum Mitgrölen und Abrocken macht. Der Refrain ist besonders fesselnd, lädt zum Mitsingen ein und bleibt lange im Gedächtnis. Die Mischung aus rauem Gesang, kraftvollen Instrumenten und einer mitreißenden Melodie schafft eine Atmosphäre von purer Energie und Spaß.
„The Only One“ beginnt mit einem dramatischen Intro, das sofort die Spannung aufbaut und die Zuhörer in seinen Bann zieht. Dunkle, atmosphärische Klänge und ein langsames, kraftvolles Gitarrenriff eröffnen den Song, was eine Vorahnung von etwas Großem und Intensivem gibt. Diese dramatische Einleitung schafft eine fesselnde Atmosphäre, die die Bühne für das, was folgen wird, perfekt vorbereitet.
Was „The Only One“ besonders auszeichnet, sind die unvorhersehbaren Wendungen im Songverlauf. Immer wieder überrascht die Band mit plötzlichen Tempowechseln, unkonventionellen Melodien und kraftvollen Instrumentalpassagen. Diese unvorhersehbaren Elemente halten die Zuhörer in Atem und machen den Song zu einem aufregenden Erlebnis.
„The Only One“ ist mehr als nur ein Rocksong; er ist eine kraftvolle Demonstration von musikalischem Können und Kreativität. Die dramatische Eröffnung, die schrägen Riffs, der grandiose Refrain und die unvorhersehbaren Wendungen machen ihn zu einem unvergesslichen Erlebnis.
„Live Love Rock“ ist ein fetziger Bluesrocker, der von Anfang an mit schnellen Rhythmen und bluesigen Gitarrenriffs begeistert. Der Song beginnt mit einem lebhaften Gitarrenintro, das sofort ins Ohr geht und die Zuhörer in seinen Bann zieht. Die Gitarrenriffs sind kraftvoll und voller Energie, und sie verleihen dem Song eine dynamische und mitreißende Note, die sich durch das gesamte Stück zieht.
Die schnellen Rhythmen, die vom Schlagzeug und Bass vorgegeben werden, treiben den Song unaufhaltsam voran. Das Schlagzeugspiel ist präzise und energiegeladen, während der Bass eine solide Grundlage schafft, die die Gitarrenarbeit perfekt ergänzt. Die rhythmische Basis des Songs ist so mitreißend, dass man kaum stillsitzen kann. Sie lädt regelrecht zum Tanzen und Mitwippen ein und sorgt dafür, dass „Live Love Rock“ ein echter Stimmungsmacher ist. Der Gesang ist ebenso beeindruckend wie die Instrumentierung. Mit leidenschaftlicher Intensität und klarem Ausdruck trägt der Sänger die Botschaft des Songs vor.
„Live Love Rock“ ist nicht nur musikalisch stark, sondern auch ein Song, der die Zuhörer auf eine emotionale Reise mitnimmt. Er vermittelt eine positive Botschaft und verbreitet gute Laune, was ihn zu einem idealen Track für jede Party oder Feier macht. Die energetische Darbietung und die perfekte Mischung aus Rock und Blues machen ihn zu einem unverzichtbaren Bestandteil des Albums.
„That’s What Dreams Are For“ ist ein absolutes Highlight des Albums und ein Meisterwerk, das sowohl musikalisch als auch lyrisch herausragt. Der Song beginnt mit einem melodischen Gitarrenriff, das sofort ins Ohr geht und die Bühne für das Folgende perfekt vorbereitet. Die Kombination aus melodiösem Rock und tiefgründigem Text ist außergewöhnlich und macht „That’s What Dreams Are For“ zu einem Song, der weit über das hinausgeht, was man von einem typischen Rocksong erwarten würde. Die Melodie ist eingängig und harmonisch, aber gleichzeitig kraftvoll und dynamisch, was dem Song eine besondere Tiefe und Vielschichtigkeit verleiht. Die Struktur ist durchdacht und abwechslungsreich, mit wechselnden Dynamiken und musikalischen Höhepunkten, die den Zuhörer immer wieder überraschen und fesseln. Die Übergänge zwischen den ruhigeren, introspektiven Momenten und den kraftvollen, energischen Passagen sind nahtlos und fügen sich perfekt in das Gesamtbild ein.
„That’s What Dreams Are For“ ist ein Song, der zeigt, wie kraftvoll und bewegend Musik sein kann. Er ist ein perfektes Beispiel dafür, wie melodiöser Rock und tiefgründige Texte kombiniert werden können, um ein Werk zu schaffen, das sowohl musikalisch als auch emotional beeindruckt.
„Ya Do Ya“ bietet Blues in Hülle und Fülle und ist ein musikalisches Juwel, das die Essenz dieses Genres perfekt einfängt. Der Song beginnt mit markanten, bluesigen Gitarrenklängen, die sofort eine Atmosphäre von Tiefe und Emotion schaffen. Die Gitarrenarbeit ist meisterhaft und durchdrungen von jener rauen Schönheit, die den Blues so unverwechselbar macht. Der Rhythmus des Songs ist erdig und kraftvoll, getragen von einem groovenden Bass und einem treibenden Schlagzeug, die zusammen eine solide Grundlage für die bluesigen Melodien bilden. Dieser erdige Rhythmus ist wie ein Puls, der durch den gesamten Song schlägt und die Zuhörer unweigerlich in seinen Bann zieht. Er verleiht „Ya Do Ya“ eine rohe, authentische Energie, die direkt ins Herz geht.
Für Blues-Liebhaber ist „Ya Do Ya“ ein wahrer Genuss. Der Song fängt die Essenz des Blues ein und präsentiert sie in einer Form, die sowohl respektvoll gegenüber den Traditionen als auch frisch und innovativ ist. Er zeigt, dass der Blues lebt und atmet, und dass er in den Händen talentierter Musiker immer wieder neue Höhen erreichen kann.
„No Matter The Faith“ ist eine äußerst gefühlvolle Ballade, die sich durch ihre sanfte Melodie und den tiefgründigen Text auszeichnet. Schon die ersten Klänge des Songs ziehen den Zuhörer in eine Welt voller Emotionen und Reflexionen. Die Melodie ist weich und einladend, getragen von sanften Gitarrenakkorden und einem dezenten, aber wirkungsvollen Einsatz von Klavier und Streicherarrangements. Diese instrumentale Mischung schafft eine Atmosphäre von Wärme und Nachdenklichkeit, die perfekt zur lyrischen Tiefe des Songs passt. Die emotionale Tiefe des Songs wird durch die einfühlsame Interpretation des Sängers noch verstärkt. Seine Stimme ist klar und voller Gefühl, und er singt jede Zeile mit einer solchen Intensität und Aufrichtigkeit, dass man die Emotionen hinter den Worten förmlich spüren kann.
„No Matter The Faith“ ist ein bewegender Höhepunkt des Albums, ein Song, der durch seine sanfte Melodie, den tiefgründigen Text und die einfühlsame Interpretation das Herz berührt. Er ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie Musik in der Lage sein kann, tiefe emotionale Verbindungen zu schaffen und universelle Themen auf eine Weise zu vermitteln, die sowohl persönlich als auch mitreißend ist. Dieser Song bleibt lange im Gedächtnis und im Herzen des Zuhörers, ein echtes Highlight des Albums, das immer wieder gerne gehört wird.
Schon ab den ersten Takten entfaltet der Song „Colores Bleed“ eine rohe, kraftvolle Präsenz, die sofort ins Ohr geht und den Hörer in ihren Bann zieht. Die markanten Blues-Riffs, die den Song durchziehen, sind voller Intensität und Leidenschaft und verleihen ihm eine unbändige Dynamik. Das Schlagzeug und der Bass liefern eine solide und kraftvolle Basis, die den Song vorantreibt und ihm eine beständige, pulsierende Energie verleiht. Die präzisen, kraftvollen Schlagzeugbeats und die tiefen, treibenden Basslinien schaffen einen unaufhaltsamen Rhythmus. Mit einer Stimme, die vor Emotionen und Ausdruckskraft strotzt, bringt der Sänger die Texte mit einer Leidenschaft und Intensität vor, die den Hörer tief berührt. Die raue, kraftvolle Stimme passt perfekt zu den intensiven Blues-Riffs und der treibenden Rhythmusgruppe, sie verstärkt die rohe Energie und die emotionale Tiefe des Songs. „Colores Bleed“ ist ein kraftvolles Erlebnis, das die Zuhörer in seinen Bann zieht und sie mit seiner unbändigen Energie und Intensität mitreißt. Dieser Song ist ein eindrucksvolles Beispiel für die Kraft und Intensität des Blues.
Mit „You N I“ wird noch einmal kräftig auf die Tränendrüse gedrückt. Der Song ist eine zutiefst emotionale Ballade, die mit ihrer berührenden Melodie und dem einfühlsamen Text das Herz direkt anspricht. Von den ersten zarten Klängen an entfaltet der Song eine melancholische Schönheit, die den Zuhörer sofort in ihren Bann zieht. Die sanften Gitarrenakkorde, begleitet von einem zarten Klavierspiel, schaffen eine ruhige und gefühlvolle Atmosphäre, die den perfekten Rahmen für die bewegenden Worte bildet. Die Melodie schwingt sanft hin und her, wie ein beruhigender Herzschlag, und führt den Zuhörer durch die emotionalen Höhen und Tiefen des Songs. Diese musikalische Einfachheit verstärkt die emotionale Tiefe der Ballade und lässt Raum für den kraftvollen Text und die ausdrucksstarke Stimme von Shaun. „You N I“ ist ein perfekter Abschluss für das Album, der die emotionale Reise, die das Album bietet, in einem Höhepunkt zusammenfasst. Die Ballade ist ein eindrucksvolles Beispiel für die Fähigkeit der Band, tiefe Gefühle und komplexe Emotionen durch Musik zu vermitteln.
Bei den beiden Bonustracks, die diesem Re-Release beiliegen, handelt es sich unter anderem um den Song „What Happened To My $“. Dieser Song war ursprünglich auf der Maxi-CD „Come Home“ enthalten, welche 1993 erschienen ist. Es ist eigentlich bedauerlich, dass dieser kraftvolle Rocksong es nicht bereits auf das ursprüngliche Album geschafft hat, denn er hat es wirklich in sich. Die energiegeladenen Gitarrensoli, die sich durch den gesamten Song ziehen, sind technisch brillant und verleihen dem Stück eine rohe, ungebändigte Kraft. Diese Soli sind ein echtes Highlight und zeigen das Können und die Kreativität der Gitarristen, die hier auf höchstem Niveau agieren. Der Song selbst ist ein echter Partysong, der mit seiner treibenden Energie und seinem mitreißenden Rhythmus jeden Raum in eine feiernde Menge verwandelt. Der kraftvolle Schlagzeugbeat und der pulsierende Bass liefern eine solide Grundlage, die den Song unaufhaltsam vorantreibt. Diese rhythmische Intensität macht „What Happened To My $“ zu einem perfekten Track, um das Publikum zum Tanzen und Mitsingen zu animieren.
Der Song fügt sich nahtlos in die Stimmung und Energie des restlichen Albums ein und bietet den Zuhörern eine zusätzliche Portion Rock, die das Album noch kompletter und abwechslungsreicher macht.
Das „What Happened To My $“ nun als Bonustrack verfügbar ist, ist ein echter Gewinn für die Fans und ein Beweis dafür, dass gute Musik immer ihren Weg findet, auch wenn es wenig dauert...
Der zweite Bonustrack ist eine neu gemasterte Live-Aufnahme des Songs „Shout It Out“ aus dem Jahr 1993. Diese Version bringt die rohe Energie und die leidenschaftliche Performance der Band eindrucksvoll zur Geltung und fängt die mitreißende Atmosphäre ihrer Live-Auftritte perfekt ein. Bei der Live-Performance trägt der Sänger jede Zeile mit einer solchen Überzeugung und Kraft vor, dass man die Emotionen und die Energie des Augenblicks aus den 90ern förmlich spüren kann.
Fazit:
BACKBONE SLIDE hatte mit diesem Album ein wahres Meisterwerk des schmutzigen, melodischen Hard Rocks geschaffen. Das Album fing die rohe Energie und den rebellischen Geist der 80er Jahre perfekt ein und bewies eine bemerkenswerte Zeitlosigkeit und Relevanz. Jeder Song war sorgfältig komponiert und brachte die Essenz des Hard Rocks in einer Weise zur Geltung, die sowohl alteingesessene Fans des Genres als auch neue Hörer begeisterte.
Besonders bemerkenswert war die Art und Weise, wie BACKBONE SLIDE es schaffte, den Hörer auf eine emotionale Reise mitzunehmen. Von den kraftvollen, energiegeladenen Tracks, die zum Headbangen einluden, bis hin zu den gefühlvollen Balladen, die das Herz berührten, bot das Album eine beeindruckende Vielfalt und Tiefe. Diese musikalische Reise wurde von einer lyrischen Raffinesse begleitet, die die Themen von Liebe, Verlust, Rebellion und Hoffnung auf eine Weise behandelte, die sowohl persönlich als auch universell war.
Insgesamt ist das Album ein absolutes Muss für jeden Liebhaber des Genres. Es ist ein Zeugnis der zeitlosen Kraft des Hard Rocks und ein Beweis dafür, dass gute Musik immer relevant bleibt. BACKBONE SLIDE hatte mit diesem Album ein Stück Musikgeschichte geschaffen, das nicht nur die Vergangenheit ehrte, sondern auch in der Gegenwart und Zukunft Bestand hat.
Ein Meisterwerk, das in keiner Rock-Sammlung fehlen sollte und das immer wieder aufs Neue begeisterte.
(Mit freundlicher Unterstützung und Bereitstellung des Pressematerials von GerMusica PR)
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